Das Pferd
Mischtechnik auf Leinwand. 1984.
130 x 100 cm.
Unten links mit Feder in Schwarz signiert "STH Wagner" und datiert.
Nur die weiße riesenhafte Figur eines Reiters auf der Pferdekonstruktion stört die Assoziation an das trojanische Pferd. Aus der Untersicht gegeben, wirkt das hölzerne Tier auf seinen Rollen immens groß, und die winzigen, miteinander kämpfenden Menschen am Boden bestätigen diesen extremen Größenunterschied. Papierflieger umschwirren die rätselhafte Konstruktion und unterstreichen den surrealen Charakter der Komposition. Die frühe Arbeit des Leipziger Künstlers zeigt sich befreit von den Einflüssen seiner Lehrer. Nach seinem Studium an der Leipziger Hochschule für Grafik und Buchkunst bei Arno Rink, Bernhard Heisig und Hartwig Ebersbach ging Wagner zur Ausbildung nach Halle an die Burg Giebichenstein und wurde 1989-91 Meisterschüler an der Akademie der Künste Berlin bei Wolfgang Mattheuer.
Provenienz: Privatsammlung Europa
Ausstellung: 11. Kunstaustellung des Bezirkes Leipzig, mit deren Klebeetikett verso, dort bezeichnet und betitelt
Frau mit Hut
Bronze mit goldbrauner Patina auf Bronzeplinthe. Um 1980.
25,5 x 11 x 9,5 cm.
Schlüter 83.
Bewegtheit und Ruhe, Gelassenheit und Spannung stehen in schöner Balance miteinander: Die gekreuzten Beine lenken den Blick des Betrachters empor, über den Leib und die eingestützten Arme, hin zum Gesicht, dessen Blick doch unter dem Hut verborgen bleibt. Die Arbeit steht in engem Zusammenhang mit Ewels berühmter Bronze "Sonne und Wind". Bei der "Frau mit Hut" jedoch gestaltet er die Oberfläche rau und beinahe brüchig durch, so dass sich Lichtreflexe in ihr fangen (Kerstin Schlüter, Gerd Ewel, Goch 1999, S. 30). Ausgezeichneter Guss mit schön changierender Patina.
Ohne Titel
Materialbild. Blei auf Holzplatte. 1979.
92 x 94,7 cm.
Unten rechts signiert (geritzt) "J. Machold" und datiert.
"Macholds Werke sind stets ungegenständliche Kompositionen, nie figürliche - und stets ohne Titel. Die freien Assoziationen des Betrachters sollen nicht durch verbale Informationen eingeschränkt werden." (Bärbel Mann, in: Jorge Machold, Plastiken und Zeichnungen, Katalog, Berlin 2007, S. 7).
Fußmann, Klaus
Selbstbildnisse und Landschaft
Los 8220
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
992€ (US$ 1,067)
Selbstbildnisse und Landschaft
5 Radierungen und Farbaquatintaarbeiten auf festem Velin. 1982-1991.
Bis 57,2 x 76 cm (Blattgröße).
Sämtlich signiert "Fußmann", datiert und gewidmet.
Fußmann 103a, 117, 135b, 136a, 226.
"Selbst im Spiegel", "Selbst im Spiegel, im Schnee", "Akt vor Spiegel", "Selbst im Spiegel in Gelting" sowie "Ausblick Hardenbergstraße". Jeweils prachtvolle Drucke mit breitem bzw. dem vollen Rand.
Wannsee
Aquarell auf festem Velin. 1980.
75 x 81,5 cm.
Unten rechts mit Pinsel in Orange signiert "Fußmann", datiert und betitelt sowie mit der Ortsangabe "Berlin", verso nochmals signiert und datiert sowie bezeichnet "Berlin".
Im Februar am Wannsee. Eine blass leuchtende Wintersonne steht tief über dem Wasser und breitet ein sanftes Licht über die Landschaft. Die atmosphärisch-luftige Komposition mit niedrigem Horizont und einem mächtigen Himmelsausschnitt, dominiert von changierenden gelb-grauen bis blauvioletten Tönen, fängt die Ansicht vom Wannsee ein, wie sie Fußmann am 21.2.1980 begegnete. Nach einem Studium an der Essener Folkwang Schule studierte Fußmann von 1962 bis 1966 an der Hochschule für Bildende Künste in Berlin und blieb der Stadt seitdem treu. In vielen seiner Werke setzt er sich mit seiner städtischen Wahlheimat auseinander. Der Berliner Wannsee beschäftigt ihn nicht nur in unserem frühen Aquarell, sondern auch in einer zwei Jahre zuvor entstandenen Farbaquatintaarbeit.
Provenienz: Galerie Nickel & Zadow, Nürnberg
Privatbesitz Rheinland
Zigeuner von Marzahn II
Bronze mit braungrüner Patina auf Bronzeplinthe. 1981.
42,5 x 25,5 x 11,5 cm.
Seitlich hinten an der Plinthe monogrammiert "WS", links mit einem runden Signet (undeutlich), seitlich rechts mit Teilen eines Gießerstempels, wohl der Gießerei Schabow, Berlin. Auflage 6 num. Ex.
Stötzer konzentriert sich in seinem Schaffen auf die menschliche Figur und deren existenzielle Daseinsfragen. Seine reduzierten, abstrahierten Menschenbilder beschränken sich auf das Wesentliche der Erscheinung und verbildlichen die Würde und Haltung des Menschen. Hier ist es das Schicksal der Sinti und Roma in der Zeit des Nationalsozialismus, dem Stötzer künstlerischen Ausdruck verleiht. Nach einer Ausbildung zum Keramikmodelleur studierte der Bildhauer und Zeichner Werner Stötzer 1949-1951 in Weimar bei Heinrich Domke, Hans van Breek und Siegfried Tschiersky, setzte sein Studium in Dresden bei Eugen Hoffmann und Walter Arnold fort und war von 1954-1958 Meisterschüler an der Akademie der Künste in Berlin bei Gustav Seitz. Die Auflagenhöhe und das genaue Gussdatum ist unbekannt; die Figur wurde in den 1980er Jahren mehrfach gegossen. Möglicherweise stammt unser Abguss aus dem Jahr 1988, in dem die Güsse mit dem Stempel der Gießerei Schabow versehen wurden. Prachtvoller Guss mit effektvoller Patina.
Madonna
Multiple. Gips, gelb gefasst. 1982.
30 x 8 x 6 cm.
Nur selten arbeiten Bildhauer farbig. Als Vorbild für die gipserne Madonna diente eine Figur, Typ "Lourdes" aus einem Devotionalienladen in Kevelaer. Leuchtend gelb gefärbt, erinnert Fritsch damit an die goldene Madonna ihrer Heimatstadt Essen. Sie goss aus Duroplast zudem eine lebensgroße Replik dieser Darstellung der Madonna von Lourdes. Ausgezeichnetes Exemplar.
Bern Series, Nr. 27
Acryl auf sehr festem Velin. 1979.
79 x 57,5 cm.
Unten links mit Bleistift signiert "Natkin".
Während einer Reise nach Bern besuchte Robert Natkin 1977 die Paul Klee Stiftung, die Besuchern den Zugang zu Tausenden von Zeichnungen und Gemälden des Künstlers ermöglicht. Natkins Bern-Serie ist in den darauffolgenden Jahren aus diesem für ihn höchst inspirierenden Besuch entstanden.
Ohne Titel
Mischtechnik und Collage auf dünnem Velin. 1982.
37 x 27 cm.
Verso unten mit Kreide in Schwarz signiert "Blais" und datiert.
Die überdimensionale, wie aufgedunsen wirkende Gestalt eines geschlechtslosen Riesen mit kariertem Hemd und miniaturhaft kleinem Kopf füllt den Vordergrund dieser grotesk anmutenden Szene. Die großen Hände unsicher ineinander gefaltet, schreitet er unter dem gelben Himmel an einem Gebäude mit rauchendem Schornstein vorbei. Jean Charles Blais studierte an der École des Beaux-Arts in Rennes und setzte sich seit Anfang der 1980er Jahre vor allem mit Plakatabrissen und damit verbunden mit der Materialität seiner Bildträger auseinander. Typische, farbenfrohe Darstellung des Künstlers.
Angel II
Linolschnitt und Acryl auf Leinwand. 1983.
84,5 x 80,3 cm.
Oben rechts mit Pinsel in Schwarz signiert "Immendorff" und datiert, unten links mit Pinsel in Weiß betitelt.
Vgl. Geuer/Breckner 1982.9-13.
Oftmals verwendete Jörg Immendorff einzelne Ausschnitte und Motive aus seinen großformatigen Arbeiten, um kleinere Formate Werke zu gestalten. Teile seiner Linolschnitte boten dafür die Grundlage, die er im weiteren Zuge übermalte. Die vorliegende Arbeit "Angel II" ist exemplarisch dafür und präsentiert Teilbereiche aus der Werkserie "Café Deutschland gut". In seinem "Café Deutschland"-Zyklus (1977-1983) thematisierte Immendorff die politische Situation Deutschlands im Kalten Krieg, die Teilung des Landes, sowie die Position des Künstlers in der Gesellschaft. Darüber hinaus steht die Serie symbolisch für die Künstlerbeziehung zwischen Immendorff (BRD) und A.R. Penck (DDR).
Provenienz: Privatbesitz Berlin
Selbst mit Muse
Öl auf Leinwand. 1994.
130,5 x 100,5 cm.
Oben rechts mit Pinsel in Schwarz signiert "Immendorff" und datiert, verso auf dem Keilrahmen bezeichnet "19.".
Die Muse liegt leblos, ohnmächtig, in den Armen des Malers - ein Beutestück eher als eine Schutzgöttin oder Inspiratorin. Zugleich stehen beide Figuren, Maler und Muse, im Spiel mit dem Betrachter. Immendorff offeriert uns dabei in seinem Gemälde vielfältige Erzähl-, Bedeutungs- und Deutungsebenen und entzieht sich doch einer eindeutigen Lesart. Der alte Topos des Selbstbildnisses beschäftigt ihn immer wieder intensiv, und so spielt er ihn im Laufe seines Schaffens in vielfältigen Varianten durch. Er nutzt mit dem Selbstporträt den Stoff des eigenen Lebens, verfremdet und ironisch gebrochen, als Material für seine Malerei und hält zugleich dem Publikum und damit der Gesellschaft den Spiegel vor. Immendorff tritt also mit jedem Selbstbildnis in einen Dialog mit dem Betrachter. Unser "Selbsporträt mit Muse" spielt aber zudem, wie so viele andere Sujets des Malers, mit der langen kunsthistorischen Tradition des bekleideten Mannes mit der nackten jungen Frau in den Armen - ein im 19. Jahrhundert gern verwendetes erotisches Motiv. Solche Anleihen aus der älteren Kunst überführt Immendorff in eine ganz eigene Ikonographie und spielt mit den Erwartungen und verborgenen Sehnsüchten der Betrachter.
Immendorff studierte in den 1960er Jahren an der Kunstakademie Düsseldorf zuerst Bühnenbild bei Teo Otto und anschließend, ab 1964, Kunst bei Joseph Beuys. Gemeinsam mit Chris Reinecke gründete er 1968 das Aktionsprojekt „LIDL“. Seine provokanten, durch Beuys angeregten neodadaistischen Kunstaktionen, Happenings und Debattenrunden, die dem politischen Flügel der Fluxus-Bewegung zuzuordnen sind, führten 1969 schließlich zu einem Verweis von der Akademie. 1977 wandte sich Immendorff, inspiriert vor allem von den Werken Renato Guttusos, verstärkt der Malerei zu. Mit der politisch und gesellschaftskritisch engagierten Bildserie "Café Deutschland" gelang ihm der internationale Durchbruch.
Provenienz: Privatsammlung Süddeutschland
Ketterer München, Auktion 306, Modern Art and Post-War, 05.12.2006, Lot 358
Privatsammlung Europa
Heisig, Bernhard
Anna Seghers: Das siebte Kreuz
Los 8230
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
1.054€ (US$ 1,133)
Anna Seghers: Das siebte Kreuz
Mischtechnik auf Velin. Um 1985.
36,5 x 25,5 cm.
Unten rechts mit Bleistift signiert "Heisig", rückseitig bezeichnet "zu Anna Seghers, Das Siebte Kreuz, Auf der Flucht (Georg Heisler)".
Eine von insgesamt 32 Zeichnungen, die Bernhard Heisig als Vorlage zu Anna Seghers Roman "Das siebte Kreuz" lieferte.
Altenbourg, Gerhard
Schnabelnase vor der Erdgöttin
Los 8231
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
1.240€ (US$ 1,333)
Schnabelnase vor der Erdgöttin
Aquarell und Bleistift auf Velin. 1986.
29,6 x 21 cm.
Unten mittig in der Darstellung mit Bleistift signiert "Altenbourg", monogrammiert und rechts datiert.
Janda 86/50.
Unten mit dem Trockenstempel "Altenbourg". Stimmige, kleine Zeichnung, mit der für Altenbourg typischen Betitelung aus feinem Humor und leichter Ironie.
Provenienz: Galerie am Sachsenplatz, Leipzig
Riesenziegen
Radierung auf gewalztem China, auf grauem Velin. 1985.
14 x 7,8 cm (56,8 x 31,3 cm).
Signiert "Joseph Beuys" und gewidmet. Auflage 75 num. Ex.
Schellmann 529.
Aus der Suite Tränen, herausgegeben vom Grafos-Verlag, Vaduz. Ausgezeichneter Druck mit dem vollen Rand.
Ohne Titel
Farbsiebdruck auf Velinkarton. 1988.
98,5 x 69 cm.
Signiert "S. Polke". Auflage 940 Ex.
Becker/von der Osten 80, Griffelkunst I 250 B5.
In der vorliegenden Arbeit in Grau, Blau und Schwarz stellte Polke den Kontrast von Geometrie und Abstraktion gegenüber. Die Formen erscheinen farbsatt oder unscharf und illustrieren das Zusammenspiel von Rationalität und Zufall. Herausgegeben von der Griffelkunst-Vereinigung, Hamburg-Langenhorn e.V. Ganz ausgezeichneter Druck der formatfüllenden Darstellung.
Der Schmerzensmann
Öl auf Hartfaserplatte. 1988.
95 x 40 cm.
Verso mit Buntstift in Schwarz signiert "Künzel" und datiert sowie mit Kreide in Hellgrau bezeichnet "17/89".
Mit größter Spontaneität und reliefhaft-pastosem Farbauftrag zeichnet Künzel ein höchst expressives Abbild des Schmerzensmannes, das durch seine leuchtend-intensive Farbigkeit und den kräftigen Malduktus besondere Dynamik erreicht. Der Künstler studierte von 1983-88 in Leipzig Malerei und Graphik bei Dietrich Burger, Volker Stelzmann und Bernhard Heisig, ehe er 1991 bei Heisig als Meisterschüler graduierte. Für seine Diplomarbeit "Porträts meiner Freunde" schraubte er mehrere Arbeiten zu einer großen Pyramide zusammen, die öffentlich aufgestellt wurde. Durch die in unserem Bild stellenweise vorhandenen Montierungslöcher wird deutlich, dass es ebenfalls Teil dieser Pyramidenkomposition war.
Prof. H. erinnert sich
Öl auf Hartfaserplatte. 1988.
123 x 24 cm.
Verso mit Buntstift in Schwarz signiert "Künzel" und datiert sowie mit Buntstift in Rot bezeichnet "14".
Wie die vorherige Katalognummer gehörte, sichtbar durch die vorhandenen Montierungslöcher, auch die vorliegende Arbeit zur beschriebenen, pyramidenartig aufgebauten Werkzusammenstellung Künzels, die er im Rahmen seiner Abschlussarbeit schuf. Beeindruckend sind hier vor allem das ungewöhnliche Bildformat und die in mehreren Ebenen geschichteten, expressiv hingeworfenen Farbaufträge, die dem Bild eine wunderbare Tiefe verleihen.
Schleime, Cornelia
Drei Mädchen mit Zöpfen
Los 8237
Ergebnis (inkl. Aufgeld) *
1.736€ (US$ 1,867)
Drei Mädchen mit Zöpfen
Gouache und Feder in Braun auf festem gelblichen Velin. 1995.
50 x 70 cm.
Unten rechts mit Feder in Braun signiert "C. M. P. Schleime" und datiert.
Die in Ostberlin geborene Cornelia Schleime studierte von 1975 bis 1980 Malerei und Graphik an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Sie gehörte zur unangepassten Kunstszene und fiel mit ihren selbstinszenierten Fotografien, Performances und experimentellen Super-8-Filmen auf. Kurz nach Abschluss ihres Studiums erhielt sie 1981 Ausstellungsverbot und siedelte schließlich 1984 nach Westberlin über. Seit den 1990er Jahren widmete sie sich in Malerei und Zeichnung vor allem Figuren und Porträts. Das Motiv des Zopfes wurde zu dieser Zeit zu einem immer wiederkehrenden Bestandteil ihrer Werke. In immer neuen Variationen behandelt die Künstlerin das Thema, wobei die langen, streng geflochtenen Zöpfe der jungen Mädchen nicht mit den oft mit ihnen assoziierten Bild von biederer Bravheit korrespondieren, sondern sich fast wie selbstständige Organismen zum Teil bedrohlich um die zarten Mädchenhälse winden oder wie Fesseln oder Fangarme agieren. In der vorliegenden Komposition sind drei Mädchenköpfe scheinbar untrennbar an ihren Zöpfen verbunden. Nicht nur entsteht hierdurch eine reizvolle geometrische Form, sondern es wirkt fast, als würden die drei Bildfiguren so zu einer gemeinsamen, lebenden Einheit verschmelzen.
Ohne Titel
6 Radierungen auf Velin. 1994.
Je 20,4 x 24,6 cm (34,5 x 40 cm).
Sämtlich signiert "Tony Cragg".
Griffelkunst II 275 B1-6.
Sämtliche der sechs in der 1994 erschienenen Edition der Griffelkunst herausgegebenen Drucke: "Dinge", "Herbst", "Current", "Das Neblige", "Wüste" und "Vessel". Prachtvolle, gratige Drucke mit zartem Plattenton und dem vollen Rand.
"Ruinenlandschaft"
Öl auf Leinwand. 1991/93.
100 x 250 cm.
Unten rechts in der Darstellung mit Pinsel in Rot signiert "KREIDT", verso auf dem Keilrahmen nochmals signiert, datiert und betitelt.
Es ist nicht nur eine Ruinenlandschaft: Es ist auch eine ruinierte Landschaft, die Kreidt uns präsentiert. Der Bergbau hat in der ehemaligen DDR in den Jahren nach dem Mauerfall deutliche Spuren hinterlassen. Noch stehen dort aber keine Konsum- und Gewerbeparks, sondern die Industrieruinen ruhen. So ähnelt Kreidts großformatiges Gemälde nicht nur hinsichtlich der Komposition, sondern auch in der Stille und Einsamkeit Caspar David Friedrichs Gemälden "Felsenriff am Meeresstrand" und "Eismeer". Wahrscheinlich handelt es sich bei der Industrieruine in unserem Bild um die gesprengte Abraumförderbrücke in Profen-Nord. Sie steht als eine umgestürzte Stahlfachwerkkonstruktion auf vereistem, von Abraum bedecktem Gelände, in Komposition und Kolorit souverän künstlerisch umgesetzt. "Es ist, als hätten wir auf einem fremden Stern eine untergegangene Zivilisation entdeckt." (Fritz Kreidt, in: Heroische Landschaft, Heidelberg 1993, S. 40).
Literatur: Fritz Kreidt. Heroische Landschaft, Heidelberg 1993, Nr. 36 (Farbabb. S. 79)
"Große Industrielandschaft"
Öl auf Leinwand. 1993.
130 x 85 cm.
Unten mittig mit Pinsel in Rotbraun signiert "KREIDT" und verso betitelt.
Ungewöhnlicher Blick von hinten auf die Baugrube und die Baggerschaufel, in akribischem und nahezu fotorealistischem Stil erfasst. Das schwere Gerät ist von Rost und Erde orangebraun verfärbt und zerfressen, leuchtet aber im Sonnenlicht in den schönsten Farben. Den Maler faszinierten "die wunderbaren Farben von Sand und Erde, Kohle, Wasser, Licht und Schatten in den Tagebauten" (Fritz Kreidt. Heroische Landschaft, Heidelberg 1993, S. 9). Kreidt studiert von 1955 bis 1960 an der Düsseldorfer Kunstakademie bei Otto Coester und Georg Meistermann sowie in Paris. Seine Reisen führen ihn nach Spanien, Frankreich, England, die USA und China. Seit der deutschen Wiedervereinigung thematisiert er in seinen Bildern Industrie- und Stadtlandschaften der ehemaligen DDR. Es sind Industriebrachen oder Baustellen, die, melancholisch anmutend, den flüchtigen Zustand von Veränderung wiedergeben. Das Alte, Verfallene, Ausgediente ist Zeugnis einer Epoche, der Kreidt in seinen Gemälden ein Denkmal setzt.
Provenienz: Nachlass Fritz Kreidt
Literatur: Fritz Kreidt. Heroische Landschaft, Heidelberg 1993, Nr. 24 (Farbabb. S. 68)
Colfosco im Gadertal
Aquarell auf genarbtem, festem Velin. 1993.
31 x 46 cm.
Unten links mit Pinsel in Orange signiert "Sprotte" und datiert, verso (von fremder Hand?) bezeichnet.
Die charakteristische Vegetation aus bunt aneinandergereihten Blüten und Gräsern, steht bei Sprottes in den Dolomiten entstandenen Aquarell im Vordergrund, während die geographischen Gegebenheiten für ihn kaum Bedeutung haben und das Bergmassiv im Hintergrund nur angedeutet bleibt. In dem Örtchen Colfosco im Val Badia hielt sich Sprotte seit 1993 bis zu seinem Tode regelmäßig mehrere Monate im Jahr auf. In dem herbstlichen Südtiroler Motiv kommt die Naturverbundenheit des Künstlers zum Ausdruck, und ebenso zeigt es eine gewisse Nähe zu dem Werk von Karl Hagemeister, dessen Meisterschüler er war.
"Colfosco"
Öl auf Leinwand. 1997.
100 x 80 cm.
Unten links mit Pinsel in Blau signiert "Sprotte", datiert und betitelt.
In der "schreibenden Malweise" ähnelt er seinem Lehrer Hagemeister, in der kalligraphisch reduzierten Umsetzung hingegen entwickelt Sprotte seine ganz eigene Meisterschaft. Souverän löst er sich in seinem Gemälde von der Lokalfarbe und bleibt bei einem Farbton, dem Blau, in dem er die Südtiroler Berglandschaft mit der Tanne vor steil abfallenden Felswänden erscheinen lässt. Es dominiert die Rhythmik der Gestaltung, der Erscheinungsformen und Wachstumsprozesse in der Natur. Zu dieser Musikalität in seinem Schaffen sagt Sprotte: "Die schwebenden Töne sind Töne, die wir erscheinen sehen, auch hören, wenn wir mit ihnen sprechen. Mit diesen Tönen und Blicken erwidert die Landschaft unseren Blick" (Siegwart Sprotte, Bilder aus 60 Jahren, Ausst.-Kat. Potsdam-Museum 1988, S. 22).
[*]: Regelbesteuert gemäß Auktionsbedingungen. [^]: Ausgleich von Einfuhr-Umsatzsteuer.
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